Susan Sontag gegen Interpretation und andere Essays

Posted on by Martel

Susan Sontag Gegen Interpretation Und Andere Essays




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"The Silence" (still), Regie: Ingmar Bergman (1963)

[Aktualisieren: Ich habe einen Post zu diesem Post hier gepostet.]

1.

Susan Sontags bahnbrechender Essay Mitte der 60er Jahre ist auf dieser Seite mehrmals aufgetaucht. Ich bin seit Weihnachten damit beschäftigt, es neu zu lesen, und möchte diese Gelegenheit nutzen, um einige Gedanken darüber zu machen.

2.

Offensichtlich scheint Sontag, was auch immer interpretiert wird, dagegen zu sein.

3.

Was meint Sontag mit "Interpretation"?

Meint sie irgendeine Interpretation, wie mein Mitstreiter Chris Higgs kürzlich argumentierte?





Oder etwas anderes, etwas Spezifischeres?

4.

Sontag bedeutet in der Tat etwas sehr Spezifisches. Den ersten Hinweis bekommen wir am Ende von Abschnitt 2, wo Sontag schreibt:

Obwohl die tatsächlichen Entwicklungen in vielen Künsten uns von der Vorstellung, dass ein Kunstwerk in erster Linie sein Inhalt ist, wegführen, übt die Idee immer noch eine außerordentliche Hegemonie aus.

Ich möchte vorschlagen, dass dies daran liegt, dass die Idee nun unter dem Deckmantel einer bestimmten Art von Begegnung mit Kunstwerken verewigt wird, die bei den meisten Menschen, die eine der Künste ernst nehmen, tief verwurzelt sind. Was die inhaltliche Überbetonung mit sich bringt, ist das immerwährende, niemals vollzogene Interpretationsprojekt. Und umgekehrt ist es die Angewohnheit, sich Kunstwerken zu nähern, um sie zu interpretieren, die die Phantasie aufrecht erhalten, dass es tatsächlich so etwas wie den Inhalt eines Kunstwerks gibt.

Hier haben wir den Anfang einiger Argumente, die Sontag während des Essays beibehalten wird:

  1. ein Kunstwerk zu interpretieren ist es nicht ernst zu nehmen;
  2. das Projekt der Interpretation wird nie (oder nie) abgeschlossen;
  3. Sontag möchte die Vorstellung abschaffen, dass Kunstwerke Inhalt besitzen, ein Fehler, von dem sie behauptet, dass er durch Interpretation verewigt wird.

Trotzdem, was meint sie damit?

Deutung?

5.

Sontag geht sofort darauf ein und erläutert ihre Verwendung des Begriffs zu Beginn von Abschnitt 3:

Natürlich meine ich nicht die Interpretation im weitesten Sinne, den Sinn, in dem Nietzsche (richtig) sagt: "Es gibt keine Tatsachen, nur Interpretationen." Mit Deutung meine ich hier einen bewussten Akt des Geistes, der ein bestimmtes darstellt Code, bestimmte "Regeln" der Interpretation.

Auf die Kunst gerichtet bedeutet Interpretation, eine Reihe von Elementen (das X, das Y, das Z usw.) aus dem ganzen Werk zu ziehen.

Die Aufgabe der Interpretation ist praktisch eine der Übersetzung. Der Dolmetscher sagt: Siehst du nicht, dass X wirklich - oder wirklich - A ist? Das Y ist wirklich B? Das Z ist wirklich C?

Jetzt kommen wir irgendwohin. Interpretation, wir können sehen, besteht aus zwei Aktionen:

  1. "Eine Reihe von Elementen [.] aus dem ganzen Werk herausreißen" - das heißt, es berücksichtigt nicht das ganze Kunstwerk;
  2. das Kunstwerk übersetzen - oder erklären, was das Kunstwerk "wirklich bedeutet".

6.

Von hier aus untersucht Sontag, woher dieser Impuls zur Übersetzung oder Transformation stammt.

Sie argumentiert, dass die Interpretation ihre Wurzel hat

die Kultur der Spätantike, als die Macht und Glaubwürdigkeit des Mythos durch die von der wissenschaftlichen Aufklärung eingeführte "realistische" Weltanschauung gebrochen wurde.

Da die alten Texte (z. B.





Homer) nicht mehr gelesen werden konnten buchstäblich ("Zeus ist ein Gott"), behauptet Sontag, dass Leute (nämlich die Stoiker) begannen, diese Texte zu lesen allegorisch ("Zeus repräsentiert etwas wie Macht "). Sie gibt folgendes Beispiel:

Die Geschichte des Exodus aus Ägypten, der vierzig Jahre dauernden Wanderung in der Wüste und der Eintritt in das gelobte Land, sagte Philo, sei wirklich eine Allegorie auf die Emanzipation, die Bedrängnisse und die endgültige Befreiung der individuellen Seele.

Sontag synchronisiert "Interpretation" mit "Allegorie".

Saltag argumentiert, Kunst zu interpretieren, heißt zunächst, dass alle Kunst allegorisch ist.

7.

Sontag fährt fort, das zu sagen

Die Interpretation setzt somit eine Diskrepanz zwischen der klaren Bedeutung des Textes und den Anforderungen von (späteren) Lesern voraus. Es versucht, diese Diskrepanz zu beheben.

Daraus ergeben sich zwei Punkte:

  1. Sontag ist nicht argumentierend, dass Texte keine Bedeutungen besitzen.

    In der Tat schreibt sie, dass die Bedeutung des Textes "klar" ist. (Diese klare Bedeutung ist nicht allegorisch.)

  2. Sontag ist argumentierend, dass Interpretation, historisch, ist ähnlich zu lesen "in" oder "Vergangenheit" ein Text, der nicht mehr klar gelesen werden kann - der Wunsch, ein zu finden anders Bedeutung darin, als es scheinen würde.

In diesem Sinne sagt sie:

Interpretation ist eine radikale Strategie, um einen alten Text zu konservieren, der zu wertvoll ist, um ihn abzulehnen, indem er neu gestaltet wird.

Der Interpreter ändert ihn, ohne den Text tatsächlich zu löschen oder neu zu schreiben. Aber er kann es nicht zugeben. Er behauptet, es nur verständlich zu machen, indem es seine wahre Bedeutung offenbart.

(Dies ist ein kleiner Punkt, aber wir sollten beachten, dass Sontag nicht sein kann.) vollständig im Gegensatz zu dieser Art von Interpretation, sondern Objekte eher auf die Ansprüche seiner Praktiker.)

So hat Sontag behauptet, dass metaphorische Interpretation begonnen hat.

Ich habe im Moment kein wirkliches Interesse daran zu beurteilen, ob sie recht hat oder nicht. (Ich behaupte auch nicht, diese Fähigkeit zu besitzen.)

8.

Lassen Sie uns rekapitulieren. Folgendes haben wir bisher:

  1. Die Interpretation geht davon aus, dass ein Kunstwerk Inhalt hat.
  2. Es wählt dann ein oder zwei Elemente des Kunstwerks aus.
  3. Dann fügt er diesen Elementen (und damit dem Kunstwerk) allegorische Bedeutung zu.
  4. Diese Bedeutung unterscheidet sich von der Bedeutung, die das Kunstwerk tatsächlich hat (und das ist klar).

Wie wir sehen können, ist dies eine sehr spezifische Verwendung des Begriffs "Interpretation".

Von nun an werde ich ihn "metaphorische Interpretation" nennen, weil er davon ausgeht, dass der Inhalt des Kunstwerks eine Metapher für etwas anderes ist. Wenn also ein Bild ein Bild eines Apfels enthält, dann ist dieser Apfel nicht das, was er zu sein scheint, sondern ein Symbol oder eine Allegorie oder Metapher für etwas anderes - und es ist Aufgabe des Kritikers, zu erklären, was dieses Ding ist.

Sontag lehnt diesen Ansatz der Kritik völlig ab.

9.

Im Anschluss daran argumentiert Sontag, dass heute die Motivation zur metaphorischen Interpretation nicht mehr "Frömmigkeit gegenüber dem lästigen Text" ist, sondern "eine offene Aggressivität, eine offene Verachtung des Scheins":

Der moderne Interpretationsstil gräbt aus und zerstört, wenn er ausgräbt; es gräbt "hinter" dem Text, um einen Subtext zu finden, der der wahre ist.

Die berühmtesten und einflußreichsten modernen Lehren, die von Marx und Freud, sind tatsächlich ausgeklügelte Systeme der Hermeneutik, der aggressiven und gottlosen Deutungstheorien. Alle beobachtbaren Phänomene sind nach Freuds Worten als manifester Inhalt eingeklammert. Dieser manifeste Inhalt muss sondiert und beiseite geschoben werden, um die wahre Bedeutung - den latenten Inhalt - darunter zu finden. Für Marx soziale Ereignisse wie Revolutionen und Kriege; für Freud werden die Ereignisse des individuellen Lebens (wie neurotische Symptome und Versprecher) sowie Texte (wie ein Traum oder ein Kunstwerk) als Anlässe für Interpretationen behandelt.

Nach Marx und Freud scheinen diese Ereignisse nur verständlich zu sein. Eigentlich haben sie ohne Interpretation keine Bedeutung. Zu verstehen ist zu interpretieren. Und zu interpretieren bedeutet, das Phänomen neu zu formulieren, um ein Äquivalent dafür zu finden.

Was hier zu sehen ist, ist Sontags Argumentation darüber, wie die Interpretation im gegenwärtigen Moment erfolgt.

Sie versucht, in jedem Kunstwerk "latenten Inhalt" zu finden, den der Kritiker als "wahre Bedeutung" des Kunstwerks bezeichnet. (Dies entspricht vollständig der Zusammenfassung, die wir in Punkt 8 dargelegt haben.)

Beachten Sie auch, wie Sontag während des Essays argumentiert hat, dass wir den Schein ernst nehmen sollten.

Sie ist völlig gegen die Behauptung, dass Kunstwerke etwas sind andere als das, was sie zu sein scheinen - dass sie Metaphern oder Symbole oder Allegorien sind. Sie vergleicht solche Kritik mit dem Versuch, die Welt zu etwas anderem zu machen als es ist:

Die Welt, unsere Welt, ist erschöpft, verarmt genug. Weg mit allen Duplikaten davon, bis wir wieder unmittelbar erfahren, was wir haben.

Sontag interessiert sich nur für das Kunstwerk an sich - in genau dem, was es zu sein scheint.

10.

Sontag sagt dann, dass metaphorische Interpretation Kunst "zähmt" und sie überschaubarer macht.

Und dass es "eine Spießbürgerverweigerung ist, das Kunstwerk allein zu lassen". Zu diesem Zweck gibt sie das Beispiel von Stanley Kramers "Übersetzung" von Endstation Sehnsucht:

Um das Stück inszenieren zu können, musste Kazan feststellen, dass Stanley Kowalski die sinnliche und rachsüchtige Barbarei darstellte, die unsere Kultur erfasste, während Blanche Du Bois westliche Zivilisation, Poesie, zarte Kleidung, gedämpftes Licht, raffinierte Gefühle und alles andere war ein wenig schlimmer, um sicher zu sein.

Tennessee Williams 'kraftvolles psychologisches Melodrama wurde nun verständlich: Es ging um etwas, um den Niedergang der westlichen Zivilisation. Anscheinend würde es, wenn es weitergehen würde, ein Stück über einen gut aussehenden Brute namens Stanley Kowalski und eine verblasste rüde Belle namens Blanche Du Bois zu sein, es nicht überschaubar sein.

Kazans Fehler bestand darin, Blanche und Stanley allegorische Bedeutung zuzuweisen, anstatt sie für das zu nehmen, was sie waren.

11.

Ich sollte hier innehalten, um festzustellen, dass ich Sontag vollkommen zustimme.

Es mag meine persönliche Neigung sein, aber ich finde Metapher im Allgemeinen langweilig und habe mich immer dem Impuls widersetzt, Kunst metaphorisch zu interpretieren. In der Tat, ich kotze mir etwas in den Hals, wenn ich Dinge wie Brent DiCrescenzos Pitchfork Review von Radiohead aus dem Jahr 2000 lese Kind A, wo er schrieb:

Die Erfahrung und die Emotionen, die mit dem Zuhören verbunden sind Kind A sind wie Zeugen der totgeborenen Geburt eines Kindes und haben gleichzeitig die Gelegenheit, sie im Jenseits auf Imax spielen zu sehen.

Dieser Satz bleibt, meiner Meinung nach, einer der schlimmsten und dümmsten Behauptungen, die ich je von einem Kunstkritiker gehört habe.

Offensichtlich unterscheidet es sich von dem, gegen das Sontag spricht, da DiCrescenzo das nicht bestreitet Kind A wirklich "bedeutet", dass bestimmtes Bild. Aber ich möchte vorschlagen, dass solche metaphorischen kritischen Behauptungen aus demselben philistrischen Impuls entspringen, den Sontag zu Recht verspottet: der Wunsch, über alles zu schreiben andere als das Kunstwerk selbst.

12.

Das Internet ist voll von dieser Art von Kritik.

Diese Website, und die Indy-Szene im Allgemeinen, ist voll von dieser Art von Kritik - lesen Sie einfach die Blätter auf den Rücken der meisten kleinen Presse-Bücher.

13.

Chris selbst bietet ein gutes Beispiel dafür in diesem Bomblog-Artikel über Olivia Cronks Haut Pferd (Action Bücher, 2012). Dort gibt Chris die meisten der 2059 Wörter aus, die über das schreiben, was er tat, als er das Buch las (ähnlich wie bei einem Ist es nicht cool? Filmkritik):

Mit einem aufgewühlten Magen, nach sechs Stunden über die I-10 von unserem Magnolia Heights Viertel in Tallahassee zum Lower Garden District in New Orleans, was vermutlich auf den Verzehr von Fast Food zurückzuführen ist, eine für mich untypische Aktivität, schnappe ich Haut Pferd aus meiner Tasche, eilen Sie zur Toilette in unserem Hotelzimmer, plumpsen auf die Toilette, nur um festzustellen, dass mein Körper zu groß für den kleinen Sitz ist.

Ich muss mich winden, um mich fit zu machen. Ich erinnere mich an Žižeks Kommentar über die Beziehung zwischen Toiletten und Ideologie, eine Erweiterung oder Verfälschung von Kristevas Theorie des Abject, natürlich, und sofort beginne ich mich über die kulturelle Bedeutung eines Toilettensitzes zu wundern, der so klein ist, dass er es nicht kann bequem eine Person meiner Figur unterbringen, das heißt eine durchschnittliche Zahl für einen Mann in seinen Mittdreißigern, der eine halbe Stunde bis fünfundvierzig Minuten pro Tag trainiert und ziemlich ausgewogene Mahlzeiten isst und nur leicht übergewichtig ist, und Ich mache mir Sorgen um die fettleibigen Menschen, die sich ernsthaft nicht auf diesen winzigen Sitz setzen können.

Ich frage mich, wie es wäre, eine solche Proportion zu haben. Meine Eingeweide explodieren, obwohl ich das Buch öffne.

.





. . sowie was das Buch ihn erinnert:

Keine Frontsache. Wie ein Film, der ohne Credits beginnt. Ich blättere nach hinten.





Tatsächlich sind die Copyright-Seite, die Titelseite und alles andere am Ende nach dem Haupttext vorhanden. So beginnt meine Begegnung mit der Abwesenheit, oder vielmehr einer Umkehrung der üblichen Struktur eines Buches; so ist der Komfort der Vertrautheit von Anfang an gestört, der gleichzeitig auf die Konvention aufmerksam macht und mir große Freude bereitet.

Freches Büchlein, von Anfang an. Ohne den typischen Aufbau habe ich das Gefühl, in einen geschwärzten Vorführraum in einer Kunstgalerie zu gehen, in dem eine Videoinstallation läuft und ich in diesem Moment, nicht in einem anderen Moment, hereingelangt bin und damit begrüßt werde: [Ausschnitt ]

Das heißt, er macht alles andere, als das Buch zu beschreiben.

Um fair zu sein, Chris enthält ein paar Sätze in diese Richtung.

Zusätzlich zu den ersten und dritten Sätzen in diesem obigen Zitat gibt es fünf weitere in diesem späteren Absatz:

Jede Seite ist eine Textdatei. Die meisten Seiten haben einen riesigen leeren Header.

Die meisten Seiten haben ein paar Wörter in der Mitte. Manchmal gibt es Linien, manchmal nicht. Zweimal erscheint eine dicke schwarze Linie, die senkrecht auf der Seite verläuft und Text trennt, obwohl ich direkt über die Seite lesen kann, als ob die Linie unsichtbar wäre, und ihre Lesbarkeit scheint in diesen Fällen kristallklar zu sein.

(Und um noch gerechter zu sein, enthält Chris auch zahlreiche Auszüge, in denen der Text einigermaßen für sich selbst sprechen darf.)

Dies, So könnte ich argumentieren, ist die zeitgenössische Form der metaphorischen Kritik, die Art von Schrift, die Susan Sontag von der Erde strahlen wollte.

Natürlich streiten sich Brent DiCrescenzo und Chris nicht über die fraglichen Texte bedeuten die Metaphern, die sie konstruieren. Aber ihre Artikel befassen sich mehr mit den ausgeklügelten Metaphern, die sie konstruieren, als mit den Texten an und für sich. Mit anderen Worten, sie versuchen, die Kunstwerke durch etwas anderes zu ersetzen.

(Es ist erwähnenswert, dass Chris auch eine schwache Version von Wimsatt und Beardsleys affektiven Fehlschluss vorführt - den Text entsprechend den subjektiven Auswirkungen, die er auf ihn hat, schätzt.

Mehr zu Wimsatt und Beardsley in einem Moment.)

14.

Ich glaube, ich habe meinen Standpunkt dargelegt (oder einen ausreichenden Antagonismus geschaffen, um eine Debatte zu provozieren), also kehren wir zu den 1960ern und zu Sontag zurück.

In Teil 6 des Essays entlässt sie alle Symbole in Kunstwerken, sogar vorsätzliche.

Tatsächlich schreibt sie:

Es spielt keine Rolle, ob Künstler beabsichtigen oder nicht beabsichtigen, ihre Werke zu interpretieren.

Da wir nun verstehen, was Sontag mit "interpretiert" meint, können wir sehen, dass es nicht darauf ankommt, ob Künstler ihre Kunstwerke symbolisch / allegorisch gestalten - Kritiker sollten sich der Interpretation widersetzen.

[Ein beiseite: Hier könnte man versuchen, ihren Aufsatz mit Wimsatt und Beardsleys anderem berühmten Essay "The Intentional Fallacy" zu verbinden.

Und tatsächlich habe ich in einer früheren Version dieses Posts genau das versucht. Aber es erzeugte zu lange einen Exkurs für meine aktuellen Zwecke und erwies sich letztendlich als irrelevant - siehe unten warum.]

Als Beispiel für eine möglicherweise beabsichtigte Allegorie beschreibt Sontag die Szene in Ingmar Bergmans Die Stille (1963), in dem ein Bild von einem "Panzer, der durch die leere Nachtstraße rumpelt." (Siehe das Bild oben in diesem Beitrag sowie Minuten 6: 50-9: 40 in diesem Clip.) Sie räumt ein, dass die Regisseur könnte das Bild "als ein phallisches Symbol" gedacht haben.

Aber wenn er das tat, fuhr Sontag fort: "Es war ein dummer Gedanke."

Sontag will keine Symbole!

15.

Zu diesem Zweck lobt sie Teil 7 des Essays, um Künstler zu loben, die Kunstwerke entwerfen, die metaphorische Interpretationen abhalten: jene, die abstrakte Gemälde und Pop-Art machen.

Hier würde ich behaupten, dass Sontag sich selbst widerspricht. Wenn die Absicht des Autors wirklich keine Rolle spielt, dann ist es egal, ob der Künstler offensichtliche Symbole in seine Arbeit einfügt oder nicht, oder ob er oder sie abstrakte Werke macht, die eine symbolische Interpretation erschweren.Damit Sontags Argument konsistent ist, sollte es ihr egal sein, ob der Künstler das Symbol beabsichtigt oder nicht; sie sollte nur behaupten, a prioridass jede metaphorische Absicht falsch oder zumindest irrelevant für die Absicht ist.

Ich denke also, dass Sontag diese Absicht der Autoren hervorhebt tut in der Tat Materie.

(Das ist der Grund, warum ich den Abschnitt abgeschnitten habe, in dem ich sie mit "The Intentional Fallacy" synchronisiert habe. Das heißt, ich würde mich freuen, später auf diesen Punkt zurückzukommen, falls jemand möchte.)

16.

Das Problem ist jedoch, dass dies zwar wahr ist alle Kunstwerke sind nicht symbolisch, manche Kunstwerke machen enthalten in der Tat Symbole und einige Kunstwerke sind Allegorien.

Sontag mag das mögen oder sie mag es nicht, aber das ist eine subjektive Geschmacksfrage und ganz anders als das, was sie bisher diskutiert hat.

(Es ist keine Frage des Geschmacks zu argumentieren, dass Kritiker sich irren, wenn sie jedes Kunstwerk als Symbol beladen betrachten.)

Hier, kurz, würde ich diese Unterscheidung treffen. Die erste Frage, die wir uns stellen sollten, ist, ob das Kunstwerk ein Symbol oder irgendwelche allegorischen Anspielungen enthält. Wenn ja, dann werden diese Aspekte in die Struktur des Kunstwerks integriert - in die Oberfläche des Kunstwerks selbst (das Oberflächen-Sein) identisch zum Kunstwerk selbst).

Und wenn das so ist, dann ist nichts falsch daran, dass der Kritiker auf das Vorhandensein dieser Aspekte hinweist - in der Tat wird eine gründliche kritische Beschreibung der Erscheinung des Kunstwerks (wie Sontag es verlangt) diese Beobachtung verlangen.

Das heißt, Symbole und Allegorien können systematisch in die Form eines Kunstwerkes eingebaut werden.

Sie sind Arten der Bedeutungsbildung. Simile ist ein typisches Beispiel dafür. Die Anspielung auf andere Texte oder die Verwendung traditioneller Bilder / Strukturen ist eine andere.

17.

Nicht jeder Apfel in jedem Kunstwerk ist eine intertextuelle Referenz Genesis. Aber einige dieser Äpfel sind.

. . Englisch: www.db-artmag.de/2005/1/e a priori Annahme, dass sie symbolisch oder allegorisch sind.

("Wie ein Film, der ohne Credits beginnt.") Wenn ein Kunstwerk ist symbolisch oder allegorisch, dann wird der Kritiker das vom Aussehen des Kunstwerks unterscheiden können. Die symbolische oder allegorische Anspielung wird strukturell sein und kann im Kunstwerk objektiv beschrieben werden.

18.

Sontag schließt Abschnitt 7 ab, indem sie den Film diskutiert, von dem sie behauptet, er entziehe sich oft aus einem sehr wichtigen Grund einer metaphorischen Interpretation: Slavoj Žižek sei noch nicht aufgetaucht.

Nein, ha ha, das ist einer meiner kleinen Witze.

Aber natürlich würde sich diese metaphorische Interpretation in der Filmkritik ab den 1980er Jahren durchsetzen, wenn nicht in den 1970er Jahren - die Lacansche Psychoanalyse ist darin stark verwurzelt. (Ich würde argumentieren, dass alle post-strukturellen Praktiken sind.)

Sontag behauptet, dass "Filme nicht von Dolmetschern überrannt wurden", und zwar aus drei anderen Gründen:

  1. Film war (zu dieser Zeit) eine relativ neue Kunstform;
  2. Die meisten Menschen (damals) dachten immer noch an Filme als "nur Filme" - als einfache Unterhaltung und nicht als Kunst;
  3. Ein drittes Argument, das ich als sehr wichtig bezeichnen werde:

[.] es gibt immer etwas anderes als Inhalt im Kino zu ergattern, für diejenigen, die analysieren wollen.

Denn das Kino besitzt im Gegensatz zum Roman ein Formenvokabular - die explizite, komplexe und diskutierbare Technologie von Kamerabewegungen, Schnitt und Komposition des Rahmens, aus dem ein Film entsteht.

Dies ist der Punkt in dem Aufsatz, in dem Sontag beginnt, die Art von Kritik zu definieren, die sie fordert.

Kritiker sollten dem Impuls zur metaphorischen Interpretation ebenso widerstehen wie dem Impuls, den Inhalt von der Erscheinung zu trennen.

Stattdessen würde Sontag sie dazu bringen, etwas anderes zu tun, etwas, das eher auf der Beobachtung des Aussehens eines Kunstwerks beruht, als auf der Diskussion seines "Inhalts".

Sontag ruft nach Formalismus.

19.

Wir sehen das deutlich im nächsten Abschnitt (8), wo sie schreibt

Was zuerst benötigt wird, ist mehr Aufmerksamkeit für die Form in der Kunst.

Form für Sontag ist gleichbedeutend mit Aussehen.

Sontag fordert weiterhin "ein Vokabular", das es Kritikern ermöglicht, Formen zu beschreiben - die Unterscheidung zwischen Form und Inhalt zu ignorieren oder zu erkennen, dass diese beiden Dinge ein und dasselbe sind:

Die beste Kritik, und es ist ungewöhnlich, löst solche Betrachtungen des Inhalts in jene der Form auf.

(Sie wissen, wer sonst noch solche Punkte gemacht hat?

Ernsthaft, nehmen Sie eine Vermutung; ich werde unten einige Antworten geben.)

20.

Meine einzige Meinungsverschiedenheit mit Sontag ist ihre Charakterisierung von Romanen ("Denn das Kino besitzt im Gegensatz zum Roman ein Formenvokabular"). Romane sind genauso formell wie Filme! Aber das sagte, ich weiß, dass sie es können scheinen transparenter und "zufriedener" für das Publikum.

Aber es gibt nichts, was sie daran hindern könnte, "ein Formenvokabular" zu besitzen. (Raten Sie, wer nur solch ein Vokabular zur Verfügung gestellt hat?)

21.

Sontag fährt fort, ausgewählte Werke jener Kritiker zu benennen, von denen sie glaubt, dass sie diese Art von Arbeit machen: Erwin Panofsky, Northrop Frye, Pierre Francastel, Roland Barthes, Erich Auerbach, Walter Benjamin, Manny Farber, Dorothy Van Gent, Randall Jarrell (alle, sie beeilt sich, hinzuzufügen, nur gelegentlich).

22.

Hier sind einige meiner Lieblingskritiker in dieser Hinsicht - Kritiker, die mir beigebracht haben, die Art von formeller Analyse zu machen, die Sontag fordert:

(Keine Überraschung, meine Antwort auf die obigen Fragen ist Russischer verdammter Formalismusund seine Erben.)

23.

In Abschnitt 9 fordert Sontag "Transparenz", die sie "den höchsten, befreiendsten Wert in der Kunst - und in der Kritik - heute" nennt.

Und sie sagt ausdrücklich, dass sie mit Transparenz meint, "die Leuchtkraft des Dinges selbst zu erfahren, von Dingen zu sein, was sie sind. "

Der Zweck des Kritikers, Sontag streitet, ist nicht, das Kunstwerk zu verschleiern, oder zu argumentieren, dass es etwas anderes bedeutet als das, was es ist.

Die Aufgabe des Kritikers besteht darin, das Kunstwerk selbst zu beschreiben - sich mit seiner Erscheinung, seiner Form zu befassen.

24.

Zurück zu Chris. Wenn er sich wirklich zu Sontags Argumentation verpflichtet fühlt, würde ich es lieben, wenn er sein Schreiben mit ihrem eigentlichen Essay versöhnt, den ich, wie ich behaupte, falsch verstehe.

Aber ich denke, er wird Probleme mit einer Menge von Sontags Argumenten haben, wie dieser:

Denken Sie an die bloße Vermehrung von Kunstwerken, die jedem von uns zur Verfügung stehen, die den widersprüchlichen Geschmäckern und Gerüchen und Sehenswürdigkeiten der städtischen Umgebung, die unsere Sinne bombardieren, übergeordnet sind.

Unsere Kultur basiert auf Übermaß, auf Überproduktion; Das Ergebnis ist ein stetiger Verlust der Schärfe in unserer sensorischen Erfahrung. Alle Bedingungen des modernen Lebens - seine materielle Fülle, seine bloße Überfülle - verbinden sich, um unsere sensorischen Fähigkeiten zu trüben. Und im Licht des Zustandes unserer Sinne, unserer Fähigkeiten (und nicht jener eines anderen Zeitalters) muss die Aufgabe des Kritikers bewertet werden.

Unsere Aufgabe besteht nicht darin, die maximale Menge an Inhalten in einem Kunstwerk zu finden, geschweige denn, mehr Inhalte aus der Arbeit herauszuquetschen als dies bereits der Fall ist.

Unsere Aufgabe ist es, den Inhalt zu reduzieren, damit wir die Sache überhaupt sehen können.

Ziel aller Kunstkommentare sollte es nun sein, Kunstwerke - und analog dazu unsere eigene Erfahrung - mehr, als weniger real für uns zu machen. Die Funktion der Kritik sollte darin bestehen, zu zeigen, wie es ist, selbst, dass es das ist, was es ist, und nicht zu zeigen, was es bedeutet.

Folgendes bittet Chris im Gegensatz dazu:

Anstatt einen Text mit Interpretation zu blockieren, kann er durch Beobachtung, Beschreibung und Beteiligung geöffnet werden.

Anstatt einen Text in einen anderen Text mit Interpretation zu transformieren, kann der Kritiker zulassen, dass der ursprüngliche Text selbst bleibt und dann einen Begleittext dafür erstellt.

Chris definiert nicht was er bedeutet durch "Interpretation", aber ich denke, es ist klar, dass, was auch immer er damit meint, es nicht das ist, was Sontag meinte.

Denn für Sontag besteht das eigentliche Problem der Interpretation darin, dass sie den Text öffnet und eine Vielzahl von Bedeutungen sowie zu viele Begleittexte hervorbringt, die alle die einfache Tatsache dessen, was das Kunstwerk selbst ist, verschleiern.

Sontag streitet also direkt gegen Chris, wenn er sagt:

Diese Form der Kritik ist kreativ und bejahend, mehr als destruktiv und negativ.

Es widersteht dem Werturteil. Es macht den Text größer, mehr als den Text kleiner zu machen. Es schreibt den Text nicht neu, sondern erzeugt stattdessen einen Begleiter für den Text.

Es hilft, den Text zu erweitern, mehr als den Text zu reduzieren [.]

Die Idee, so erinnert uns Soderbergh, ist mehr zu vermehren als zu verringern, zu intensivieren, zu vermehren, zu erweitern.

Chris kann weiterhin applaudieren, wenn Kinder vor Kunstwerken tanzen, aber das hat nichts mit dem zu tun, was Susan Sontag geschrieben hat.

25.

Sontag schließt ihren Aufsatz mit dieser Zeile (Abschnitt 10) bekanntlich ab:

Anstelle einer Hermeneutik brauchen wir eine Erotik der Kunst.

Mit "Hermeneutik" meint Sontag ganz klar die Tendenz, die Kunst metaphorisch zu interpretieren, die kritische Praxis, mit der sie im ganzen Aufsatz gelästert wird.

Um dies zu sehen, gehen Sie zurück zu Abschnitt 3, wo sie schreibt:

Der moderne Interpretationsstil gräbt aus und zerstört, wenn er ausgräbt; es gräbt "hinter" dem Text, um einen Subtext zu finden, der der wahre ist.

Die berühmtesten und einflußreichsten modernen Lehren, die von Marx und Freud, sind tatsächlich ausgeklügelte Systeme der Hermeneutik, der aggressiven und gottlosen Deutungstheorien.

Sontag hat diesen Ansatz abgelehnt und fordert "eine Erotik der Kunst".

Was meint sie damit?

Es ist nicht ungewöhnlich, dass Menschen diesen Punkt falsch interpretieren. Schließlich klingt eine "Erotik der Kunst" ziemlich gut! Wer würde sich nicht für so etwas engagieren wollen? Ich meine, wer möchte als gegensätzliche Erotik aufzeichnen?

Aber wieder muss man zum Text zurückkehren und sehen, was Sontag tatsächlich geschrieben hat. Und Sontag ruft den gesamten Essay zu einem formalistischen Ansatz auf - für Kritiker, die das Kunstwerk als Ganzes beschreiben, indem sie ein "Formenvokabular" verwenden, das dem Kunstwerk nichts Zusätzliches hinzufügt.

(Sie vergleicht das auch damit, "[unsere Sinne] [wiederzuerlangen] [.] um mehr zu sehen, mehr zu hören, mehr zu fühlen.")

In diesem Sinne missversteht Chris Sontag völlig:

Ein Kunstwerk zu zerstören, wie Jamesons Beispiel zeigt und wie Sean Lovelace [.] gezeigt hat und wie Rauschenberg zeigte, als er De Kooning ausradierte, zählt sicherlich als eine Erotik, die für mich die Dullardry der Interpretation weit übertrifft.

Aber Sontags Erotik der Kunst tut es nicht bestehen aus solchen affektiven Reaktionen - das Zerstören eines Kunstwerks oder das Tanzen davor oder die Produktion von "Begleittexten" mittels der Spiegelübung (all dies sind Beispiele, die Chris zur Verfügung stellt).Chris macht den Fehler, den ich gerade beschrieben habe ("Erotik klingt gut; ich bin dafür!

Was auch immer es bedeutet!"); In der Tat haben seine kritischen Verpflichtungen, wie eigentlich gesagt wurde, nichts mit Susan Sontag zu tun. (Ich bezweifle, dass diese Bemerkung Chris stören wird, da seine Argumente wenig Engagement für Kohärenz oder Konsistenz zeigen.)

Was Sontags Erotik der Kunst angeht: Ich werde mehr über diese Verbindung zwischen Form und Erotik in einem Beitrag schreiben, den ich "Die Sinnlichkeit der Form" nennen möchte - Stay tuned!

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