Ausdauer Essays

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Ausdauer Essays




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Bitte beachten Sie: Dieser Aufsatz erscheint hier nur für Bildungszwecke. Es ist das geistige Eigentum von Jeanette Winterson.

Der folgende Text wird zitiert von:
Jeanette Winterson KUNST OBJEKTE Essays über Ekstase und Ekel, Jonathan Cape, London, 1995, S.

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KUNST OBJEKTE

Ich war an einem verschneiten Weihnachtsfest in Amsterdam, als das Wetter die Kanäle in Eisklumpen verwandelt hatte. Ich wanderte glücklich, allein, spielte den Flaneur, als ich an einer kleinen Galerie vorbeiging und im Vorbeigehen ein Gemälde sah, das mehr Kraft hatte, mich aufzuhalten, als ich die Macht hatte, weiterzugehen.

Die Qualität der Zeichnung, die Pinselstriche in dünnen Ölen, hatten eine Renaissance-Schönheit, aber das Ängstliche und Zwingende an dem Bild war seine Modernität.

Hier war eine Figur ohne Kontext, in ihrem eigenen Kontext eine Spukfrau in blauen Gewändern, die ein riesiges Mondgesicht durch eine unterirdische Wasserstraße zog.

Was sollte ich tun, zögernd stehen, mein Herz überschwemmt?

Ich floh über die Straße und in einen Buchladen. Dort wäre ich sicher, umgeben von Dingen, die ich verstand, unangefochten, außer von meiner eigenen Disziplin.

Bücher, die ich kenne, endlos, vertraut. Ihre Macht über mich ist tiefgründig, aber ich kenne sie. Ich gestehe, dass ich bis zu diesem Tag nicht viel Interesse an den bildenden Künsten hatte, obwohl ich jetzt erkenne, dass mein Mangel an Interesse das Ergebnis der Art von Ignoranz war, an der ich an anderen verzweifeln kann.

Ich wusste nichts über das Malen und so bekam ich sehr wenig davon. Ich hatte nie eine volle Stunde Aufmerksamkeit geschenkt.

Was sollte ich tun?

Ich hatte geplant, Amsterdam am nächsten Tag zu verlassen. Ich änderte meine Pläne und schlummerte unruhig, stand früh auf, wartete, um ins Rijksmuseum zu kommen, in das Van Gogh Museum, verbrachte jeden Nachmittag in privaten Galerien, die ich finden konnte, und jeden Abend las, las, las.

Mein Aufruhr war so, dass ich nur eine Art Frieden finden konnte, indem ich versuchte, die Größe des Problems zu bestimmen. Mein Problem. Die Gemälde waren vollkommen entspannt. Ich hatte mich verliebt und ich hatte keine Sprache. Ich war hundemüde. Die übliche Antwort von "Dieses Gemälde hat mir nichts zu sagen" war zu "Ich habe nichts zu diesem Gemälde zu sagen". Und ich wollte unbedingt sprechen.

Ein langes Betrachten von Gemälden ist gleichwertig. in eine fremde Stadt geworfen zu werden, wo allmählich, aus Sehnsucht und Verzweiflung, ein paar Schlüsselworte, dann ein wenig Syntax eine Klärung in der Stille machen. Kunst, alle Kunst, nicht nur Gemälde sind eine fremde Stadt, und wir betrügen uns, wenn wir es für vertraut halten. Niemand ist überrascht, dass eine fremde Stadt ihren eigenen Sitten folgt und eine eigene Sprache spricht.

Nur ein Boor würde beides ignorieren und seine Schuld auf den Platz schieben. Jeden Tag passiert das dem Künstler und der Kunst.

Wir müssen erkennen, dass die Sprache der Kunst, alles Kunst, nicht unsere Muttersprache ist.

Ich lese Ruskins Modern Painters. Ich lese Paters Studien zur Geschichte der Renaissance. Joshua Reynolds 'Diskurse, Bernard Berenson, Kenneth Clark, Sickerts Freies Haus !, Whistlers Ten O'Clock Lecture, Vasari, Michael Levey, William Morris. Ich kannte meinen Dante, und ich suchte nach einem Führer, nach jemandem, der scharfsinnig und gelehrt war und mit dem ich etwas gemeinsam hatte, eine Art zu denken.

Eine Person, tot oder lebendig, mit der ich Dinge besprechen könnte. Ich brauchte jemanden, dem ich vertrauen konnte, der mit mir über die Sublimitäten und Sensen der bisher geschlossenen Regionen verhandelte. Jemand, der diese seltsame Sprache und ihre Dialekte fließend beherrschte, die viele Jahre in dieser fremden Stadt verbracht hatten und mich mit den Einheimischen und ihren seltsamen Gewohnheiten bekannt machen konnten.

Die Kunst ist merkwürdig, und die übliche Methode, sie in das Schema der Dinge einzupassen, entweder indem man sie zähmt oder ködert, kann nicht gelingen. Wer im Zoo hat Sinn für den Löwen?

Endlich, zu Hause, und die Regale der Antiquariate durchwühlend, fand ich Roger Fry.

Es mag hoffnungslos altmodisch erscheinen, nach Bloomsbury zurückgekehrt zu sein, aber ich interessiere mich nicht für Mode, nur für Dauerhaftigkeit, und wenn Bücher, Musik und Bilder glücklich genug sind, der Zeit gleichgültig zu sein, dann bin ich es auch.

Fry war derjenige, den ich wollte.

Für mich zumindest ein perfekter Führer, dem Walter Pater nahe genug, aber notwendigerweise fester. Ich sollte jetzt besser reinkommen und sagen, dass ich nicht glaube, dass Kunst (alle Kunst) und Schönheit jemals getrennt sind, noch glaube ich, dass Kunst oder Schönheit in einer vernünftigen Gesellschaft optional sind.

Das versetzt mich auf die Seite dessen, was Harold Bloom "die Ekstase des privilegierten Moments" nennt. Kunst, alles Kunst, als Einsicht, als Verzückung, als Transformation, als Freude. Im Gegensatz zu Harold Bloom glaube ich wirklich, dass Menschen gelehrt werden können zu lieben, was sie nicht schon lieben und dass der privilegierte Moment für uns alle existiert, wenn wir es zulassen. Kunst zu lassen ist das Paradox der aktiven Hingabe. Ich muss für die Kunst arbeiten, wenn ich möchte, dass Kunst an mir arbeitet.

Ich wusste von Roger Fry, weil ich Virginia Woolfs Biographie von ihm gelesen hatte, und weil es unmöglich ist, sich für die Moderne zu interessieren, ohne sich auf ihn zu beziehen.

Er war es, der uns den Begriff "Post-Impressionist" gab, ohne zu wissen, dass das späte 20. Jahrhundert bald vollständig mit Pfählen eingezäunt sein würde.

Ein Quäker, ausgebildeter Wissenschaftler, leidenschaftlicher Maler, Roger Fry tat mehr als jeder andere in Großbritannien, um neue Werke in den ersten dreißig Jahren des Jahrhunderts zu fördern und zu schützen. Die Hauptqualität in Frys Schreiben ist Begeisterung.

Nichts für ihn ist langweilig. Eine solche lebensfreudige, kunstfreudige Herangehensweise, die sich der Gefühle nicht schämte und sich der Schönheit nicht schämte, war das, was ich brauchte.

Ich entschied, dass mein selbst auferlegter Student eine Zahl von acht durchführen würde. Ich konzentrierte mich auf Priester und Propheten der Vergangenheit und konzentrierte mich dabei auf moderne Maler. Dies rettete mich vor dem Old-Master-Syndrom und es erlaubte mir, mich einem Gemälde ohne unbegleitete Verehrung oder unpassende Selbstgefälligkeit zu nähern. Gleichzeitig erlaubte es mir, die Theorien und Annahmen der Kunstschriftsteller zu erproben, deren Firma ich hielt.

Diese Lemniskate des Hin und Her hat sich für mich als die richtige Methode erwiesen. Ich weiß immer noch viel weniger über Bilder als über Bücher und das wird sich nicht ändern. Was sich verändert hat, ist meine Art zu sehen, dass ich lerne, wie man Bilder betrachtet. Was sich verändert hat, ist meine Fähigkeit zu fühlen.

Kunst öffnet das Herz.

Kunst braucht Zeit. Eine Stunde damit zu verbringen, ein Gemälde zu betrachten, ist schwierig. Die öffentliche Galerieerfahrung ist eine, die Kunst im Trab fördert. Da sind die Bilder, die wunderbaren sprechenden Werke, definitiv, unabhängig, jeder mit einem Selbst, es wäre unmöglich zu ignorieren, wenn.

. ob. . ., es war möglich, es zu sehen. Ich meine nicht nur die Menschenmengen und die Wachen und die schwachen Lichter und die Seile, die mich an Freakshows denken lassen, ich meine den dicken Vorhang der Irrelevanz, der das Bild vom Betrachter abschirmt. Galerien sagen immer häufiger, wann sie ein Gemälde erworben haben und wie viel es kostet.

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Millionen! Der Betrachter sieht die Farben auf der Leinwand nicht, er sieht die Farbe des Geldes.

Ist das Gemälde berühmt?

Ja! Denken Sie an all die Menschen, die eine Minute ihres Lebens sorgfältig davor bewahrt haben, davor zu stehen.

Ist die Lackbehörde? Sagt uns das Handbuch, dass es Teil von The Canon ist? Wenn ja, dann wird die Hälfte der Zuschauer es grundsätzlich bewundern, während die andere Hälfte es grundsätzlich abtun wird.

Wer hat es gemalt? Was wissen wir über seine sexuellen Praktiken und haben wir im Fernsehen etwas über sie gesehen? Wenn nicht, wird das Museum wahrscheinlich ein Video voller Schuljungen und Boulevard-Klatsch haben.





Wo ist die Teestube / Toilette / Geschenkeladen? Wo ist das Gemälde?

Bilder als bewegte Bilder zu erleben, aus dem Zusammenhang gerissen, getrennt, gedrängt, überliterarisch, mit ihren endlosen begleitenden Erklärungen, überfüllt, gegeneinander, Raum auf Raum, macht es nicht leicht, sich zu verlieben.

Liebe braucht Zeit. Es kann sein, dass wenn du so viele Schwierigkeiten mit Museen hast wie ich, dass der einzige Weg in das seltsame Leben der Bilder darin besteht, dich so viel zeitgenössischer Kunst wie möglich auszusetzen, bis du etwas findest, etwas, das du zurückgehen wirst und zurück zu sehen, und sogar große Opfer zu kaufen.

Wenn Sie beginnen, Bilder zu lieben, werden Sie zwangsläufig Bilder kaufen. Die Zeit, wie das Geld, kann gefunden werden, und diejenigen, die den ganzen Business Elitist nennen, könnten fair genug sein, um die Zeit zu verbringen, die sie vor dem Fernseher verbringen, im Baumarkt, und wie viel die neueste Satellitenausrüstung und neuer PC hat gekostet.

Für mich selbst, jetzt, wo Gemälde wichtig sind, sind öffentliche Galerien weniger enttäuschend.

Ich habe gelernt, alles über sie zu ignorieren, bis auf ein oder zwei Stücke, mit denen ich den Nachmittag verbracht habe.

Angenommen, wir hätten einen Pakt mit einem Gemälde geschlossen und vereinbart, uns hinzusetzen und es für eine Stunde allein zu betrachten, ohne Ablenkungen. Das Gemälde sollte ein Original sein, keine Reproduktion, und wir sollten mit dem Vorteil beginnen, es zu mögen, wenn auch nur ein bisschen.

Was würden wir finden?

Zunehmendes Unbehagen Wann haben Sie das letzte Mal alles einzig und konzentriert und um seiner selbst willen betrachtet? Das gewöhnliche Leben verläuft in einer nahen Unschärfe.





Wenn wir ins Theater oder ins Kino gehen, ändern sich die Bilder vor uns ständig, und die Sprache wird abgelenkt. Unsere Lieben sind uns so gut bekannt, dass es nicht nötig ist, sie anzusehen, und einer der sanften Witze des Ehelebens ist, dass wir es nicht tun.

Trotzdem, hier ist ein Gemälde und wir haben uns darauf geeinigt, es eine Stunde lang zu betrachten. Wir finden, dass wir nicht sehr gut darin sind, zu schauen.

Zunehmende Ablenkung Ist mein Geist auf dem Weg zur Arbeit des Tages, zum Fußballspiel, zum Abendessen, zum Sex, zu allem, was mir etwas anderes zu tun gibt, als auf das Bild zu schauen?

Zunehmende Erfindung. Nach einer Zeit, in der sie Tagträumen nachgingen, könnten die Schuldigen oder Pflichtigen ihre Aufmerksamkeit auf das Bild zurückdrängen.

Worum geht es? Ist es eine Landschaft? Ist es figurativ? Vielversprechend, ist es ein Akt? Wenn das Bild einen Fluchtweg zu bieten scheint, ist dies der Moment, es zu nehmen.

Ich kann Geschichten über die Charaktere auf der Leinwand erfinden, ähnlich wie Kunsthistoriker die Menschen in Rembrandts Nachtwache identifizieren.

Jetzt fühle ich mich viel selbstsicherer, weil ich mich wirklich mit dem Bild beschäftige. Ein Bild ist sein Thema, nicht wahr? Oh mein Schatz, meine ist eine Zusammenfassung. Es macht nichts, würde mir das Rosa passen?

Zunehmende Reizung. Warum tut das Bild nicht etwas? Warum hängt es dort und starrt mich an? Wozu dient dieses Bild? Bilder sollten Freude machen, aber dieses Bild macht mich sehr böse.

Warum sollte ich es bewundern? Ganz offensichtlich bewundert es mich nicht. .

Bewundere mich ist der Subtext von so viel von unserem Schauen; die Forderung an die Kunst, dass sie die Realität des Betrachters widerspiegelt.

Die wahre Malerei, in ihrer hartnäckigen Unabhängigkeit, kann das nicht tun, außer zufällig. Seine Realität ist einfallsreich und nicht alltäglich.

Wenn der dicke Schutzvorhang weggenommen wird; Schutz der Vorurteile, Schutz der Autorität, Schutz der Kleinigkeiten, sogar die bekannteste der Bilder kann beginnen, seine Macht zu arbeiten. Es gibt sehr wenige Leute, die eine Stunde alleine mit der Mona Lisa schaffen könnten.

Aber unserem armen Kunstliebhaber in seinem ästhetischen Labor ist es nicht gelungen, sich vom Schutz der Annahme zu befreien. Was er gefunden hat, ist, dass das Gemälde seinem Mangel an Konzentration widerspricht; sein Versagen, Intensität mit Intensität zu treffen. Er hat noch nichts über das Gemälde entdeckt, aber das Gemälde hat viel über ihn entdeckt.

Er ist unzulänglich und das Bild hat es ihm gesagt.

Es ist nicht so hoffnungslos wie es scheint. Wenn ich dazu überredet werden kann, das Experiment erneut (und wieder und wieder) zu machen, könnte nach dem ersten Schock etwas ganz anderes passieren, wenn ich herausfinde, dass ich nicht weiß, wie man Bilder anschaut, geschweige denn, wie man sie mag.

Eine Lieblingsschriftstellerin von mir, eine Amerikanerin, eine Tiertrainerin, eine Yale-Philosophin, Vicki Hearne, hat über die akute Unbeholfenheit und Verlegenheit derjenigen geschrieben, die mit großartigen Tieren arbeiten, und findet sich in einem Moment der Abrechnung wieder und schwierige Augen.

Kunst hat tiefe und schwierige Augen und für viele ist der Blick zu hartnäckig. Es ist besser, so zu tun, als ob Kunst dumm ist oder zumindest nichts zu sagen hat, was für uns Sinn ergibt. Wenn Kunst, alles Kunst, sich mit Wahrheit befasst, dann wird eine Gesellschaft in Verleugnung nicht viel Nutzen dafür finden.

Im Westen vermeiden wir schmerzhafte Begegnungen mit der Kunst, indem wir sie trivialisieren oder kennenlernen.

Unsere gegenwärtige Obsession mit der Vergangenheit hat den doppelten Vorteil, dass neue Arbeiten im Vergleich zu der gemütlichen Patina der Tradition roh und rau erscheinen, während die Tradition ihre wesentliche Verbindung zu dem, was gerade passiert, verweigert. Indem wir aus der unzerstörbaren Kette der menschlichen Kreativität Inseln der Trennung machen, können wir falsche Vergleiche und falsche Erwartungen aufstellen und gleichzeitig beklammern, dass die Musik, die Poesie, die Malerei, die Prosa, die Performancekunst von Now, nicht mehr gerecht werden die Kunst des Dann, weshalb wir sagen, dass es uns nicht betrifft.

Tatsächlich sind wir nicht mehr gerührt von einer Vergangenheit, die wir zu erfinden haben, als von einer Gegenwart, die wir gerade leugnen. Wenn Sie einen Cezanne lieben, können Sie einen Hockney lieben, können einen Boyd lieben, können einen Rao lieben. Wenn du lieber einen Cezanne liebst als einen Lippenbekenntnis.

Wir sind ein merkwürdiges Volk: Wir machen es unseren Künstlern so schwer wie möglich, ehrlich zu arbeiten, während sie leben; Entweder wir verweigern ihnen Geld oder wir ruinieren sie mit Geld; Entweder wir schmeicheln ihnen mit nicht hilfreichem Lob oder verletzen sie mit nicht hilfreicher Schuld, und wenn sie zu alt oder zu tot sind oder zu unwiderstehlich, um mehr zu verhindern, kanalisieren wir sie, damit das, was wild ist, gezähmt wird, was widerspricht wird Autorität.

Bilder zu kanonisieren ist eine Möglichkeit, sie zu töten. Wenn der Bekanntheitsgrad zu groß wird, drängen sich Geschichte, Popularität, Assoziation zwischen dem Betrachter und dem Bild auf und blockieren es. Nicht nur Bilder leiden so, alle Künste leiden so.

Das ist einer der Gründe, warum die Berufung des Künstlers in jedem Medium darin besteht, es neu zu gestalten. Ich meine nicht, dass in der neuen Arbeit die Vergangenheit abgelehnt wird; ganz im Gegenteil, die Vergangenheit wird zurückgewonnen.

Es ist nicht an Autorität verloren, es wird nicht auf einer Ebene der Vertrautheit absorbiert. Es wird neu formuliert und in seiner ursprünglichen Kraft wieder eingeführt. Leonardo ist in Cezanne anwesend, Michelangelo fließt durch Picasso und weiter nach Hockney. Das ist keine Ahnenverehrung, es ist die Linie der Kunst. Es ist nicht so sehr Einfluss als Verbindung.

Ich will hier nicht über große Künstler streiten, ich möchte mich auf wahre Künstler konzentrieren, die mit der Vergangenheit verbunden sind und selbst eine Verbindung zur Zukunft herstellen. Der wahre Künstler ist verbunden.

Der wahre Künstler studiert die Vergangenheit, nicht als ein Kopist oder ein Pasticheur wird die Vergangenheit studieren, diese Menschen sind nur am Endprodukt interessiert, das Kunstobjekt, unterzeichnet versiegelt und an ein Publikum mit Drogen auf Reproduktion übergeben.

Der wahre Künstler interessiert sich für das Kunstobjekt als einen Kunstprozess, das Ding im Sein, das Sein des Dinges, den Kampf, die Erregung, die Energie, die sich in besonderer Weise zum Ausdruck gebracht haben. Der wahre Künstler ist nach dem Problem. Der falsche Künstler will es (von jemand anderem) gelöst haben.

Wenn der wahre Künstler verbunden ist, hat er oder sie viel zu geben, weil es eine Verbindung ist, die wir suchen.

Verbundenheit mit der Vergangenheit, miteinander, mit der physischen Welt, immer noch zwingend, trotz der Verwüstungen der Technologie. Ein Bild, ein Buch, ein Musikstück, kann mich an Gefühle, Gedanken erinnern, ich wusste nicht einmal, dass ich es vergessen hatte. Ob Kunsttunnel tief im Bewusstsein oder ob es aus ihrer eigenen Erfindung heraus entsteht, wechselseitige Erfindungen, die wir dann Erinnerung nennen, weiß ich nicht.

Ich weiß, dass der Prozess der Kunst eine Reihe von Stößen ist, oder vielleicht meine ich Volt, denn Kunst ist ein außergewöhnlich treuer Sender.

Unsere Aufgabe ist es, unsere Empfangsgeräte in einwandfreiem Zustand zu halten.

Wie?

Es ist unmöglich, den Geschmack zu regeln, und wenn es möglich wäre, wäre es abstoßend. Es gibt keine Gebote in der Kunst und keine einfachen Grundsätze für die Wertschätzung der Kunst. "Mag ich das?" ist die Frage, die sich jeder im Moment der Konfrontation mit dem Bild stellen sollte.

Aber wenn "ja", warum "ja"? und wenn "nein", warum "nein"? Die offensichtliche direkte emotionale Reaktion ist nie einfach, und neunundneunzig Mal von hundert hat das "Ja" oder "Nein" überhaupt nichts mit dem Bild in seiner eigenen Nacht zu tun.

"Ich verstehe dieses Gedicht nicht"

"Ich höre nie klassische Musik" "Ich mag dieses Bild nicht"

sind häufig genug Aussagen, aber keine, die uns etwas über Bücher, Malerei oder Musik erzählen. Sie sind Aussagen, die uns etwas über den Sprecher erzählen. Das sollte offensichtlich sein, aber in der Tat werden solche Aussagen als Kritik an der Kunst angeboten, als Beweis dafür, nicht zuletzt deshalb, weil die Unwissenden, die Faulen oder die Unverständigen sich wahrscheinlich nicht als solche erkennen wollen.

Wir hören viel von der Arroganz des Künstlers, aber nichts von der Arroganz des Publikums. Die Zuschauer, die die Arbeit nicht gemacht haben, die keine Risiken eingegangen sind, deren Leben und Lebensunterhalt nicht in jedem Moment mit dem verbunden sind, was sie gemacht haben, die sich nicht mit dem Medium oder der Methode beschäftigt haben, werden aufblicken, blättern Sie durch, schnattern Sie über die eröffnenden Akkorde, schnippen Sie dann mit den Fingern und gehen Sie weg wie ein monströser römischer Tyrann.

Das ist keine Arroganz; natürlich können sie in wenigen Augenblicken und ohne Anstrengung die Summe des Künstlers und der Kunst aufnehmen.

Wenn die offensichtliche direkte emotionale Reaktion eine Bedeutung haben soll, lautet die Frage "Gefällt mir das?" muss die Eröffnungsfrage und nicht das endgültige Urteil sein. Eine Untersuchung unserer eigenen Gefühle muss einer Untersuchung des Werkes weichen. Dies ist fair für die Arbeit und wird helfen, das Wesen unserer eigenen Gefühle zu klären.

Vorurteile, Meinungen, Angst, sogar die Stimmung des Tages zu offenbaren. Es ist richtig, unseren Gefühlen zu vertrauen, aber sie auch zu testen. Wenn sie das sind, was wir sagen, werden sie den Test bestehen, wenn nicht, werden wir zumindest weniger unaufrichtig sein. Aber hier kommen wir auf die erste Hürde der Kunst zurück, und es ist eine hohe; Es zeigt uns.

Wenn du sagst: "Diese Arbeit hat nichts mit mir zu tun". Wenn du sagst: "Diese Arbeit ist langweilig / sinnlos / albern / obskur / elitär etc.", hast du vielleicht Recht, weil du auf eine Modeerscheinung schaust, oder du liegst falsch, weil die Arbeit so außerhalb deiner eigenen Sicherheit liegt Erfahre, dass du, um deine eigene Welt intakt zu halten, die andere Welt des Bildes leugnen musst.

Diese Verleugnung der imaginativen Erfahrung geschieht auf einer tieferen Ebene als unsere Bestätigung unserer täglichen Welt. Jeden Tag überzeugen Sie und ich uns auf unzählige Arten von uns selbst.

Wahre Kunst, wenn es uns passiert, fordert das Ich heraus, das wir sind.

Eine Liebesparallele wäre nur; Verliebtheit fordert die Realität heraus, auf die wir Anspruch erheben, ein Teil des Vergnügens der Liebe und ein Teil ihres Terrors, ist die Welt auf den Kopf gestellt. Wir wollen und wir wollen nicht, die Schneide, die Aufregung, die neuen Ansichten. Meistens arbeiten wir hart daran, unser emotionales Umfeld zu zähmen, genauso wie wir unsere ästhetische Umgebung zähmen.

Wir haben bereits unsere physische Umgebung gezähmt. Und sind wir glücklich mit all dieser Zahmheit? Bist du?

Kunst kann nicht gezähmt werden, obwohl unsere Antworten darauf sein können, und in Bezug auf The Canon sind unsere Antworten von dem Moment an, in dem wir in die Schule gehen, bedingt. Die Frische, auf die sich der normale normale Mann oder die normale Frau stützt; die ungebetene "Ich weiß, was ich mag" -Ansatz, jetzt von den Medien ermutigt, ist weder frisch noch ungebunden.

Es ist die halbgebackene Unfruchtbarkeit des Klassenzimmers, die mit liberalen Dosen der Populärkultur heruntergespült wird.

Die Medien plündern die Künste, in ihren Bildern, in ihren Anzeigen, in ihrer Kopie, in ihren Jingles, in ihren kleinen Melodien und im journalistischen Jargon, sie bieten immer wieder schwache Schatten der Form und Erfindung echter Musik, echter Gemälde, echter Worte.

Wir sind alle diesem Bombardement ausgesetzt, das sowohl unsere Empfindsamkeiten dämpft als auch uns fürchtet, was nicht unmittelbar, zugänglich, konsumierbar ist. Die feste Präsenz der Kunst verlangt von uns eine erhebliche Anstrengung, ein Bemühen um die Populärkultur. Zeitaufwand, Anstrengung des Geldes, Anstrengung des Studiums, Bemühen der Demut, Vorstellungskraft sind vom Künstler in die Kunst gepackt worden.

Ist es so unvernünftig, von uns dafür einen Prozentsatz zu erwarten? Ich sorge mich darum, Elendismus zu verlangen, und die Anklage gegen die Kunst, dass es elitär ist, ist zu oft die Verteidigung des Anklägers gegen seine eigene Verblüffung.

Es ist ziemlich nah an der Bemerkung "Warum können sie nicht alle Englisch sprechen?", was vielleicht der Grund dafür ist, dass Elitest die Lieblingsbeschimpfung der Briten und der Amerikaner ist.

Aber Sie können sagen, wie kann ich wissen, was gut und was nicht gut ist? Ich mag die billige Seelandschaft über dem Kaminsims winden, aber bedeutet das unbedingt, dass ich in die Tate Gallery gehe und einen Boden voller gefärbtem Reis verehre?

Vor Jahren, als ich noch bei einem Börsenmakler lebte, der einen guten Keller hatte, fragte ich ihn, wie ich etwas über Wein lernen könnte.

"Trink es" sagte er.

Es ist wahr. Der einzige Weg, um einen Gaumen zu entwickeln, ist, einen Gaumen zu entwickeln. Deshalb wollte ich, wenn ich etwas über Gemälde wissen wollte, so viele Dinge wie möglich betrachten, indem ich immer geprüfte Standards benutzte, sie aber weiter prüfte.

Man kann etwas aus Unwissenheit mögen, und es ist vielleicht ein Segen, dass solche Naivität bei uns bleibt, bis wir sterben. Selbst jetzt sind wir nicht so verschlossen und gedämpft, wie es Kunstpessimisten meinen, wir verlieben uns immer noch auf den ersten Blick.

Alles gut und schön, aber die Art, aus Unwissenheit etwas zu verwerfen, ist bösartig. In der Tat ist es nicht wichtig, etwas zu mögen, um seinen Wert zu erkennen, aber um diesen Punkt der Selbstwahrnehmung und Raffinesse zu erreichen, braucht es jahrelange Ausdauer

Für die meisten von uns die Frage "Mag ich das?" wird immer die formative Frage sein. Entscheidend ist, dass wir das "Ich" erweitern, dass wir so viel wie möglich sind.Entscheidend ist, dass wir die Frage "Gefällt mir das?" beinhaltet ein unabhängiges Objekt sowie unsere eigene Subjektivität.

Ich bin sicher, wenn wir als Gesellschaft die Kunst ernst nehmen, nicht als bloße Dekoration oder Unterhaltung, sondern als lebendigen Geist, sollten wir sehr bald lernen, was Kunst ist und was nicht Kunst ist. Der amerikanische Dichter Munel Rukeyser hat gesagt:

Es gibt Kunst und es gibt Nichtkunst; sie sind zwei Universen (im algebraischen Sinne), die exklusiv sind.

. Es scheint mir, dass eine gute Arbeit und eine unerreichte Arbeit schlechte Kunst zu nennen, ist, als ob man eine Farbe "gut rot" und eine andere "schlecht rot" nennt, wenn die zweite grün ist.

Wenn wir das akzeptieren, folgt daraus nicht, dass wir eine Akademie des guten Geschmacks gründen oder alle unsere Haustier-Aquarelle, Schülerplakate oder Familienporträts wegwerfen sollten. Lassen Sie sie sein, aber wissen Sie, was sie sind, und vielleicht noch wichtiger, was sie nicht sind.

Wenn wir unsere Empfindsamkeit geschärft haben, sind wir nicht in allem einig, oder wir würden plötzlich dieselben Dinge vor denselben Bildern fühlen (oder wenn wir das gleiche Buch lesen), sondern eher, dass unsere Debatten und Überlegungen kommen würden aus echten ästhetischen Überlegungen und nicht aus Politik, Vorurteilen und Mode.

. Und unsere Herzen? Kunst ist aerob.





Es ist auch schockierend. Die konservativste und am wenigsten interessierte Person wird Ihnen wahrscheinlich sagen, dass sie Constable mag. Aber hätte unser Stammesältester Constable im Jahr 824 gemocht, als er im Pariser Salon ausstellte und ein nicht? Wir vergessen, dass jeder wahre Schock in der Kunst, ob Bücher, Gemälde oder Musik, für spätere Generationen zu einem alltäglichen, sogar zu einem Standard wird.

Es ist nicht so, dass diese Werke müde sind und nichts mehr zu bieten haben, sondern dass ihre Entdeckungen allmählich von weniger bekannten Künstlern verwässert werden, die nur kopieren können, aber wissen, wie man eine Sache zugänglich und wünschenswert macht. Endlich wird das Neue so bekannt, dass wir es nicht von seinen kulturellen Assoziationen und althergebrachten Werten trennen können.

Für das durchschnittliche Auge ist Constable jetzt ein hübscher Landschaftsmaler, kein Revolutionär, der helle Farbe gegen helle, durch Chiaroscuro unbenotete Farbe tupfte.





Wir hatten hundertfünfzig Jahre, um uns an den Mann zu gewöhnen, der dem Studiobild den Rücken kehrte, seine Staffelei draußen nahm und in einem Entzücken des Lichts malte. Es ist einfach Constable zu kopieren. Es war nicht leicht, Constable zu sein.

Ich kann mir keinen Constable, keinen Picasso oder Leonardo leisten, aber die Liebe zur Malerei zu bekennen und nichts Originelles zu haben, ist so seltsam wie ein Bücherfreund, in dessen Regalen nichts ist. Ich weiß nicht, warum die Menschenmengen und Besuchermengen in öffentlichen Galerien nicht ausgehen und neue Arbeit unterstützen. Sprechen wir Liebesaffäre oder Peep-Show?

Ich gehe behutsam um die Bilder, die ich besitze, weil ich weiß, dass sie mich so genau ansehen, wie ich sie betrachte.

Es gibt einen ständigen Austausch von Emotionen zwischen uns, zwischen uns drei; der Künstler, den ich nie treffen muss, das Bild selbst, und ich, der, der es liebt und nicht mehr unabhängig davon leben kann.

Das Dreieck des Austausches verändert sich, ist fließend, subtil, tiefgründig und gehört zu jenen unverifizierbaren Tatsachen, die jeder, der sich für Malerei interessiert, bald entdeckt. Das Bild an meiner Wand, Kunstobjekt und Kunstprozess, ist eine lebendige Bewegungslinie, eine Farbwelle, die sich in meinem Körper wiederholt, es einfärbt, die neue Gegenwart, die Zukunft und sogar die Vergangenheit einfärbt, die jetzt nicht mehr berücksichtigt werden kann außerhalb des Lichts des Bildes.

Ich denke an etwas, was ich getan habe, das Bild fängt mich auf, fügt dem Gedanken etwas hinzu, verändert die Bedeutung von Denken und Vergangenheit. Die Gesamtheit des Bildes kommentiert die Gesamtheit dessen, was ich bin.

Je größer das Bild, desto vollständiger ist dieser Prozess.

Der Prozess, die Energie im Sein, die Verweigerung der Endgültigkeit, die nicht dasselbe ist wie die Verweigerung der Vollständigkeit, setzt Kunst, alles Kunst, abgesehen von der End-End-Welt, die immer "Zeit bitte!" Ruft.

Wir wissen, dass das Universum unendlich ist, sich ausdehnt und seltsam vollständig ist, dass es an nichts fehlt, aber trotz dieses Wissens ist das tragische Paradigma des menschlichen Lebens Mangel, Verlust, Endgültigkeit, ein primitiver Untergang, der durch die Technologie nicht aufgehoben wurde oder medizinische Wissenschaft.

Die Künste stehen diesem Untergangsprozeß im Weg. Kunstobjekte. Die Substantive werden zur aktiven Kraft und nicht zum Sammlerstück. Kunstobjekte.

Die Höhlenmalereien in Lascaux, die Decke der Sixtinischen Kapelle, die große Wahrheit eines Picasso, die ruhigere Wahrheit von Vanessa Bell, sind Teil der Kunst, die der Lüge wider das Leben, gegen den Geist, dass es sinnlos und gemein ist.

Die durch die Zeit gefärbte Botschaft ist kein Mangel, sondern Fülle. Nicht Stille, sondern viele Stimmen. Kunst, alles Kunst, ist die Kommunikationsschnur, die nicht durch Gleichgültigkeit oder Desaster geknackt werden kann. Gegen den täglichen Tod stirbt es nicht. Alles Malen ist Höhlenmalerei; Malen Sie auf den niedrigen dunklen Wänden von Ihnen und mir, Andeutungen der Großartigkeit.

Die gemalte Kirche ist der tätowierte Leib Christi, nicht in Religion gebunden, sondern ungebunden aus Liebe. Liebe, die eloquente Kurzschrift, die die notwendigen unsichtbaren Zeichen des Glaubens und des Optimismus, des Humors und der Großzügigkeit, die Erhabenheit der Menschheit durch die Kunst sichtbar macht.

Nackt kam ich in die Welt, aber Pinselstriche bedecken mich, Sprache erhebt mich, Musik rhythmisiert mich. Kunst ist meine Rute und mein Stab, mein Ruheplatz und mein Schild, und nicht nur meiner, denn die Kunst lässt niemanden außen vor. Selbst diejenigen, von denen die Kunst durch Tyrannei, durch Armut gestohlen wurde, fangen an, es wieder zu schaffen.Wenn die Künste nicht existierten, würde jeder in jedem Moment beginnen, sie in Gesang aus Staub und Schlamm zu erschaffen, und obwohl die Artefakte zerstört werden könnten, wird die Energie, die sie erzeugt, nicht zerstört.

Wenn wir uns im bequemen Westen dafür entschieden haben, solche Energien mit Skepsis und Verachtung zu behandeln, dann umso schlimmer für uns.

Kunst ist kein kleines Stück Evolution, auf das die Stadtbewohner des späten zwanzigsten Jahrhunderts ohne Zweifel verzichten können. Streng genommen gehört Kunst überhaupt nicht zu unserem evolutionären Muster. Es hat keine biologische Notwendigkeit. Die Zeit, die damit verbracht wurde, war Zeit verloren zu jagen, sammeln, Paarung erkunden, bauen, überleben, gedeihen.

Seltsamerweise, wenn routinemäßige physische Bedrohungen für uns selbst und unsere Art keine Realität mehr sind, sagen wir, dass wir keine Zeit für Kunst haben.

Wenn wir sagen, dass Kunst, alle Kunst für unser Leben nicht mehr relevant ist, dann könnten wir zumindest die Frage "Was ist mit unserem Leben passiert?" Riskieren. Die übliche Frage: Was ist mit der Kunst geschehen? ist zu einfach ein Fluchtweg.

Ich bin nicht entkommen.

In einer Amsterdamer Galerie setzte ich mich hin und weinte.

Als ich ein Buch verkaufte, kaufte ich einen Massimo Rao.

Seit diesem Tag habe ich meine Wände mit neuem Licht gefüllt.


Jeanette Winterson KUNST OBJEKTE Essays über Ekstase und Ekel, Jonathan Cape, London, 1995, S.

3-21

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